Dans son exposition actuellement en cours, le Nationalmuseum de Stockholm a choisi d’inverser la chronologie. Au lieu d’exposer de l’art ancien et de le commenter avec des œuvres modernes, on montre cette fois-ci de la photographie contemporaine à laquelle se juxtapose des peintures du XVIIème siècle. L’exposition s’intitule Hans Gedda et les maîtres de l’obscurité. Hans Gedda est un photographe suédois né en 1962; les maîtres de l’obscurité sont les caravagesques, des peintres européens qui peignaient dans le style du Caravage.

 

Hans Gedda

Hans Gedda [prononcer ‘hanse yéda] reçut son premier appareil-photo de son père lorsqu’il avait 12 ans. Dès 1957, il gagna un concours photographique avec à la clé un meilleur appareil, avec lequel il prit ses œuvres de jeunesse que l’on voit au début de l’exposition. Il n’a pas suivi de formation photographique à proprement parler, à part le fait de travailler dans la chambre noire du célèbre Atelier Uggla à Stockholm. C’est là que Rolf Winquist lui appris le métier.

 

 

Dans les années 1970, il travailla pour divers magazines et faisait des reportages de mode et de déco, ainsi que de la photo publicitaire. À chacune de ses missions, il en profitait toujours pour prendre des portraits pour lui, bien souvent plus personnels, toujours en noir et blanc, qui n’étaient alors pas publiés, mais qui aujourd’hui caractérisent bien son style. La plupart du temps, il garde le cadre du négatif, car il lui est impensable de recadrer le motif après coup; selon lui, il faut le faire directement dans l’objectif. Il utilise le plus souvent des appareils Hasselblad et il se réclame plus volontiers du format carré.

Au fil des années, il a pris de nombreux portraits de Suédois plus ou moins connus, mais il s’est aussi fait un nom hors les frontières avec les portraits de Andy Warhol, Al Jarreau ou Nelson Mandela. Nelson Mandela avait choisi la Suède comme destination pour son premier voyage officiel à l’étranger après sa libération de prison et c’est dans ce contexte que Hans Gedda a eu l’occasion de faire une série de portrait. La photo désormais devenue icône où le pacifiste ferme le poing sur son front était la dernière de la série, la dernière du film — et celle qui allait conquérir le monde avec une force de frappe inouïe.

À l’occasion des 50 ans du roi Carl XVI Gustav, Hans Gedda fut chargé de prendre une série de portraits officiels. Là aussi, il réussit à négocier une série de portraits plus intimes, qui désormais appartiennent aux collections du Nationalmuseum et font partie de la Galerie nationale de portraits. C’est ainsi que débuta une relation fructueuse entre le photographe et le musée, qui résulta entre autre dans le très beau portrait de Tomas Tranströmer — probablement ma photo préférée de Hans Gedda. Dans une composition rappelant les portraits de la Renaissance, le poète (plus tard prix Nobel de littérature) est assis de profil, la main reposant sur la table; un scarabée symbolise son intérêt pour les insectes. Cette photo respire le calme, la modestie, l’introspection et l’intégrité.

Jusqu’à il y a seulement quelques années, Hans Gedda travaillait en argentique et développait lui-même ses photos dans son studio à Stockholm. Aujourd’hui, il compose aussi des natures mortes, qui bien souvent prennent des allures de portraits. Pour ces natures mortes, il utilise des objets qu’il a collectioné au cours des années et qui lui ont servi d’accessoires dans ses portraits. À partir de ce nouveau style, il a aussi commencé à s’exprimer sous forme de sculpture. Le photographe connu pour une activité plutôt commerciale est en fait un artiste qui ne cesse d’évoluer.

 

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Les dix commandants de Gedda :

Laisse le modèle être lui-même

Approches-toi

Cadres dans le viseur

Ne surestime pas la technique car elle te fera échouer

Tu n’auras d’autre dieu que toi-même

Fiche-toi de Mammon car elle te rendra conciliant et obséquieux

Reste amateur dans le coeur et professionnel dans la cervelle

Fais confiance à ton intuition

Ne crois pas au soleil

Crois en toi

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Les maîtres de l’obscurité — les caravagesques

Du noir et blanc de Gedda au clair-obscur des caravagesques, il n’y a qu’un pas. Le Caravage (1571-161) était actif entre autre à Rome et développa un réalisme avec de forts contraste entre la lumière et les ombres. De nombreux artistes, les caravagesques, suivirent ses traces, par exemple José de Ribera (italien), Francisco de Zurbarán (espagnol) och Jacob Jordaens (flamand) qui comptent parmi les 24 artistes présents dans la deuxième partie de l’exposition. On peut y voir une trentaine d’huiles sur toile — magnifiquement éclairées par Jan Gouiedo ! — traitant de sujets religieux et profanes. Les motifs religieux n’étaient pas toujours très appréciés dans ce style par les églises qui les avaient commandités et ils finissaient bien souvent dans des collections privées, une des raisons pour lesquelles ils sont maintenant répartis dans des musées partout dans le monde. Les ermites et les saints en souffrance côtoient des diseuses de bonne aventure, des portraits, des vanités et des natures mortes.

Le seul Georges de La Tour, un autre caravagesque, que le Nationalmuseum possède ne fait malheureusement pas partir de l’exposition puisqu’il était prêté à un musée français, mais à la place vous pourrez le voir à la prochaine exposition du musée, Baroque!, à Kulturhuset, du 5 avril au 19 octobre.

 

L’exposition Hans Gedda et les maîtres de l’obscurité continue jusqu’au 30 mars 2014.

 

Version suédoise ici

En l’espace de quelques années, deux nouveaux lieux d’expositions privés ont vue le jour, dans des bâtiments impressionnants, j’ai nommé Artipelag (en 2012) situé à Gustavsberg dans un milieu naturel magnifique, été comme hiver, et Fotografiska (en 2010) à deux pas de Slussen, avec une vue imprenable sur l’eau, la Vieille Ville, Skeppsholmen et Kastellholmen. Ce ne sont ni des musées dans le sens où ils n’ont pas de collections d’art, mais ni des galeries puisque les œuvres exposées ne sont pas à vendre.

 

Je vais souvent au Fotografiska, car il est très facile d’accès et qu’il propose de nombreuses expositions. Les horaires d’ouverture du Fotografiska sont aussi plus généreuses (dimanche—mercredi 9h-21h, jeudi—samedi 9h-23h) et l’entrée un peu moins chère (120 kr) qu’à Artipelag. Ces deux dernières années, je me suis procurée la carte à l’année (pour 495 kr) qui me permet d’y rentrer gratuitement (et de plus me donne 10 % au restaurant, des réductions dans la boutique et 5 % sur les cours de photos — le jour où je m’offrirai ce luxe).

 

Au Fotografiska, il y a toujours deux à quatre expo-photo en même temps (à part la fois où David LaChapelle monopolisa les trois étages de cet ancien bâtiment des douanes), ce qui fait qu’il y a toujours quelque chose qui me plaît. Depuis l’ouverture, il y a eu une trentaine d’expositions de caractères très différents : photo classique, de mode, documentaire, ou plus commerciale, noir & blanc, couleur, des paysages, des portraits humains et animaux, ”photoshopés” ou pas, des photographes plus ou moins connus, de différentes nationalités … Le programme est étendu, la qualité varie. Mais le plus important pour moi est de me faire l’œil, d’apprendre, et d’être éventuellement inspirée. (Je me moque qu’une partie de l’ ”élite culturelle” stockholmoise critique le Fotografiska pour ne pas exposer des œuvres originales et faire des expos dans le seul but d’attirer du public.)

 

J’y étais le week-end dernier car c’était les derniers jours pour l’exposition de Paolo Roversi, un photographe de mode italien. La plupart de ses photos ont quelque chose de mystérieux en elles. Je ne trouvais pas qu’il s’agissait de photos de mode à proprement parlé, du moins pas telles que nous sommes habitués à les voir sur les affiches publicitaires ou dans les magazines, elles sont un peu plus artistiques. En même temps, je trouvais qu’il y avait un peu trop de nus, mais ce que me dérangeais le plus était en fait la minceur des modèles. Une série de nus debout m’a plu sur le plan esthétique — comme si les contours des corps avaient été dessinés au crayon sur papier d’aquarelle blanc — mais elle était si longue que ça m’a fait pensé au fétichisme et m’a mis un peu mal à l’aise. J’ai eu le même sentiment mitigé pour la série autour du modèle Natalia : dans un portrait isolé, on voit une fille aux grands yeux farouches, mais on comprend plus tard avec les autres photos qu’il s’agit en fait d’une femme adulte. Roversi fait aussi des photos qui font penser aux années 1920 : elles sont un peu plus oniriques, un peu nostalgiques d’un temps perdu, mais que le photographe peut re-créer à l’aide d’un éclairage tamisé.

 

Il y avait trois autres expositions ce week-end-là.

L’une traitait du printemps arabe et montrait des photos que Paul Hansen, Roger Turesson, Anders Hansson et Thomas Karlsson, photographes au journal Dagens Nyheter, ont pris en Tunisie, Syrie, Libye, Égypte, Bahrain et au Yémen ces trois dernières années. Des photos qui témoignent du chaos, du désespoir, de la douleur et du chagrin mais aussi de l’espoir et de la croyance en l’avenir.

L’autre montrait des photos de Jill Greenberg : des portraits d’enfants en pleurs, d’ours, de chevaux et de singes. Ses photos sont à mes yeux trop retouchées, la lumière est trop forte et résultent en un hyperréalisme qui n’est plus crédible. Je ne veux pas dire par là que la crédibilité fait forcément de la bonne photo, mais dans ce cas précis, j’ai trouvé que ça allait un peu trop loin.

 

La dernière exposition (que j’ai en fait vue en premier) était celle que j’ai préférée : des photos en noir et blanc d’Elliott Erwitt, un peu dans le style de Cartier-Bresson (comme la photo de l’homme sautant au-dessus d’une flaque d’eau avec la Tour Eiffel en arrière-plan), mais avec pleins de petits clins d’oeil.

Certaines photos étaient vraiment marrantes et portaient en même temps à réflexion : des visiteurs au château de Versailles qui semblent plus intéressés par un tableau qui manque sur le mur que par ceux qui y sont; un groupe d’hommes dans un musée espagnol devant un tableau avec une femme dénudée, alors qu’une femme seule regarde la même femme habillé sur le tableau d’à côté ; un groupe d’hommes et de femmes nus qui dessinent un modèle habillé, etc. Mais Erwitt a surtout l’œil pour le petit détail qui donne toute sa qualité à une photo : le corps d’un héron dont la forme répond à celle d’un robinet ; un éclat sur une vitre de voiture qui couvre l’œil sur un visage de garçon ; deux courges bien placées comme pour ”remplacer” la poitrine de la femme assise derrière ; le grand caniche qui se tient debout sur les pâtes arrières de la même manière que son maître ; l’homme avec la figure de bouledogue français sur l’escalier d’une maison. Erwitt a aussi fait des photos un peu plus sérieuses (comme celle avec les lavabos réservés aux blancs et aux noirs, ou Jackie Kennedy à l’enterrement de JFK) ou romantiques (le reflet du couple s’embrassant dans le rétroviseur). Ma photo préférée est celle de la femme chapeautée se tournant vers les gratte-ciels de New York. Et j’aime aussi son approche de la photographie comme art et moyen d’expression.

 

 

Expositions en cours:

The Arab Spring, Fotografiska for life & Dagens Nyheter, jusqu’au 28 janvier

Jill Greenberg, Works 2001-2011, jusqu’au 9 février

Elliott Erwitt, 100+1, jusqu’au 2 mars

 

Expositions à venir :

Johan Rheborg, Backstage, 17 janvier—9 mars

Corinne Mercadier, Wicked Gravity, 17 janvier—9 mars

Pieter ten Hoopen, Testimonies from the North Caucasus, 30 janvier—23 février

Julia Fullerton-Batten, Staged Reality, 14 février—4 mai

 

Version suédoise ici

L’été est une saison agréable avec ses festivals de musique en plein-air. J’en ai profité un peu en France comme en Suède.

 

Les Francofolies

En France, ce fut très nostalgique : un concert des Francofolies à La Rochelle, auxquelles j’avais déjà assisté à leur genèse, au milieu des années 1980. Cette année, la raison de cette petites escapade dans ma région (presque) natale était l’idole de ma jeunesse : j’ai nommé Patrick Bruel, qui ouvrait le festival le 12 juillet. Il était précédé de trois autres chanteurs, que je ne connaissais pas car je ne suis pas vraiment l’actualité musicale française depuis la Suède. Mais les festivals peuvent être l’occasion de belles découvertes. Cependant, le suisse Bastian Baker ne m’a pas laissé de souvenirs inoubliables. Raphaël était trop intime pour la grande scène de Saint Jean d’Acre, j’ai aimé ses textes, mais moins le fait qu’il change de guitare à chaque chanson. Cali m’a beaucoup impressionné : j’aime ses textes, engagés, mi-tendres, mi-cyniques, et son énergie sans limite. Une bête de scène qui ne se lasse pas du contact avec le public, un contact même physique puisqu’il s’est jeté dans la foule par deux fois, faisant totalement confiance aux bras qui le portaient. La deuxième fois, à la fin de son concert, la foule lui a fait traverser l’esplanade entière jusqu’en haut des gradins !

 

Le concert de Patrick Bruel a surpassé mes attentes ! En tant que fan inconditionnelle, je ne suis peut-être pas très objective, 😉 mais les retrouvailles ont été très réussies ! Un mélange de chansons anciennes et plus récentes, un medley de chansons supprimées du programme par manque de temps (ingénieux !), au piano ou à la guitare, avec les musiciens derrière lui ou en solo, il était parfait ! Les petits discours pour introduire certaines chansons étaient aussi très appréciés.

 

 

Mais ce qui m’a plu le plus, c’est le contact avec le public. Et c’était évidemment réciproque : il nous a ému autant que nous l’avons ému. La fin de ”Les larmes de leurs pères” restera une expérience inoubliable avec la voix du public unie dans un murmure profond et bouleversant. Ce fut un moment très fort, la communion était totale ! (quoique un peu troublée par quelques hystériques qui ne pouvaient pas s’empêcher de crier comme au temps de la Bruelmania…)

Ma playlist de mes concerts préférés de cet été :

 

Stockholm Music & Arts

L’île de Skeppsholmen est depuis des années le site d’un festival de musique de quelques jours début août. Il s’appelait autrefois Stockholm Jazz Festival ; j’y ai entre autre découvert la chanteuse suédoise Laleh et eu le privilège d’y voir Patty Smith. Ce festival se déroule depuis quelques années en octobre sur d’autres scènes de Stockholm. Sur Skeppsholmen, il a laissé la place à Stockholm Music & Arts. L’an dernier, je n’avais pris un billet que pour le dernier jour, pour Björk, qui m’a malheureusement déçue. Cette année, je me suis offerte le passe pour le festival complet, les 2, 3 et 4 août. La météo était aussi de la partie, un détail non-négligeable.

 

Le festival a commencé par un incident diplomatique car le consulat de Suède en Turquie refusa d’accorder son visa au Syrien Omar Souleyman sous prétexte qu’il pouvait risquer de demander l’asile politique une fois sur le sol suédois … L’arrangeur Luger s’est battu et le visa a finalement été accordé pour le festival Way Out West à Göteborg une semaine plus tard.

 

Vendredi 2 août

14:45 Goran Kajfeš Subtronic Arkestra (à la place d’Omar Souleyman)

16:15 Mattias Alkbergs Begravning

17:45 Diamanda Galás

 

19:15 CocoRosie qui rappelle parfois Björk (moins la déception heureusement). J’ai trouvé Bianca ”Coco” plus présente et à l’aise sur scène que sa sœur Sierra ”Rosie”. J’ai aimé que Bianca joue de la harpe. Parmi leurs musiciens, il y avait un ”human beatbox” qui nous a fait un solo impressionnant !

20:45 First Aid Kit, le duo suédois qui connait un succès énorme depuis quelques années. Les disques sont bien, mais il faut aussi les voir sur scène : Johanna est visiblement experte en jeu de synté avec les pieds et en ”headbanging”. 🙂

 

22:30 Regina Spektor était tout simplement sublime ! Ce petit bout de femme a une présence incroyable sur scène !  C’était touchant de l’entendre s’étonner que le public reconnaisse ses chansons. Je retournerai la voir sans hésitation dès qu’elle se produira sur une scène stockholmoise.

 

 

Samedi 3 août

14:15 Susanne Sundfør

15:45 Modern Fantazias

17:30 Maia Hirasawa était une des chanteuses, outre Regina Spektor, que je ne voulais pas manquer, et elle ne m’a pas déçue non plus. Maia est Suédoise d’origine japonaise et à vécu quelques années au Japon. Ses dernières chansons traitent du tremblement de terre et du tsunami qui a ravagé les côtes japonaises en 2011 et ses textes prennent aux tripes. Cela vaut aussi pour la chanson avec laquelle elle a achevé son concert, une chanson qui aborde le traumatisme de l’accouchement, un moment qui aurait dû être heureux.

19:00 Sofia Jannok chante la cause du peuple Sami et la beauté des paysages lapons. Même ses discours entre les chansons sont très poétiques.

20:30 Efterklang

22:15 Rodriguez était l’artiste le plus attendu de cette soirée. Le documentaire Sugar Man qui l’a remis au goût du jour, réalisé par le Suédois Malik Bendjelloul (récompensé par un Oscar cette année) avait conquis le public suédois qui venait l’écouter ce soir-là. Au moment du concert, j’étais peut-être une des seules qui n’avait pas encore vu ce documentaire, mais ce ne m’a pas empêchée d’être touchée par la performance de Rodriguez … et d’être d’autant plus étonnée au vu des critiques le lendemain et des commentaires sur divers médias sociaux.

Je ne comprends pas comment on peut s’attendre à ce qu’un homme, âgé de 71 ans, perdant la vue, après une vie difficile et n’ayant plus l’habitude de la vie de tournée, puisse se comporter comme une star. Étant données les circonstances, je trouve qu’il a fait un concert tout à fait honorable. Je suis contente de l’avoir vu sur scène. Car même s’il est prévu un nouvel album cet automne, je ne suis malheureusement pas sûre qu’il ait la force de refaire une tournée …

   

Dimanche 4 août

14:15 Lune

15:45 Mariam the Believer

17:00 Je ne connaissais pas du tout Billy Bragg mais j’ai aimé son humour et son côté militant de gauche.

18:45 Laura Mvula

 

20:30 Prince était LA star du festival et comme toute star, il a fait sa diva. Interdiction totale de photographier (impossible à contrôler vu la densité des smartphones dans le public qui sont difficilement confiscables au contraire des gros appareils-photos) et retard d’une heure. Les arrangeurs auraient pu rajouter un artiste entre Laura Mvula et Prince… Et quand un des membres du groupe vient nous dire, 15 min avant l’arrivée de la star sur scène, qu’ils ont hâte de faire leur show, on se demande s’ils ne se moquent pas de nous. Cela a dû influencer mon humeur, car je n’ai pas vraiment aimé la première partie de son concert.

Mais après la pause, ça c’est amélioré et à la fin, je ne regrettais vraiment pas d’être venue. On a rappelé Prince sur scène trois fois, il est revenu avec la même énergie à chaque fois, et il a vraiment réussi à mettre une bonne ambiance dans le public. Il sait comment caresser le public dans le bon sens du poil, même si personnellement je ne me suis pas laisser dupée, mais il m’était difficile de ne pas me laisser emporter par l’enthousiasme général. Comme une critique la écrit le lendemain, Prince est peut-être hors de propos mais ça fonctionne quand même.

La playlist du festival sur Spotify :

 

Leonard Cohen

Le dernier concert de cet été n’était pas en plein-air et aurait pu se dérouler dans une salle plus petite, pour une ambiance un plus intime avec l’homme à la ”golden voice”. Mais ce fut malgré une expérience inoubliable : 3 heures de musique, 28 chansons, avec quelques 9 500 autres personnes. J’aime sa voix, son humour, sa simplicité, sa modestie, et je suis impressionnée qu’il tienne la route comme ça, à presque 79 ans !

Les musiciens derrière lui ne sont pas en reste non plus. J’ai beaucoup aimé les solos de bandurria de Javier Mas. Voyez ce clip YouTube pour preuve :

J’ai aussi aimé qu’il laisse les choristes chanter des chansons entières :

La playlist avec les 28 chansons du concert de Leonard Cohen :

 

Le public suédois

Je suis un peu déconcertée par le comportement du public suédois. Il semble parfois complètement apathique. Sans être du genre à faire des bonds de plusieurs mètres de haut ou à hurler, je ne peux jamais m’empêcher de marquer le rythme, de danser et de chanter, cela fait partie du concert pour moi, sinon, je reste à la maison. Mais les Suédois restent pratiquement immobiles, à la rigueur, ils se réveillent à la fin du concert… Je vous assure que même lors du concert de Prince, j’en ai vu quelques-uns qui ne bougeaient pas d’un centimètre ! Du coup, on se sent bête quand on commence à remuer un peu les hanches ou à frapper dans les mains en ryhtme. Les Suédois sont polis quand même : ils applaudissent à l’arrivée des artistes et entre les chansons comme il se doit, mais ils ne sont pas particulièrement spontanés. Il faut vraiment que les artistes les incitent à se bouger un peu pour qu’ils le fassent. Mais à la fin du concert, les rappels ne sont pas rares ; les artistes ne doivent rien y comprendre … Je ne recommanderais pas à Cali de se jeter dans la foule s’il venait en Suède, il risquerait de se retrouver par terre …

Version suédoise ici

Une grande salle aux murs bleus, bordée de grandes fenêtres donnant sur l’extérieur. Dans la salle, de hauts trépieds supportant des bols tibétains chantants. Une tringle aux courbes souples suspendue au plafond traverse la salle. Sur cette tringle, des boules en caoutchouc noir qui, en fonction de leur oscillement, heurtent, frôlent ou évitent complètement les bols. L’exposition entière résonne du timbre des bols chantants, au rythme des visiteurs, car chaque nouveau billet d’entrée acheté laisse partir une boule qui commence alors son tour.

  

En parcourant le reste de l’exposition, on peut s’asseoir sur un banc et disparaître en fumée, passer sous un chapiteau fait d’ampoules qui s’allument quand on pédale sur un vélo, contempler une plume flotter dans une boule de verre … Les miroirs sont nombreux : de grands miroirs, dont un vibrant, qui repoussent les limites de la salle, deux plus petits miroirs portant des messages en néon, des miroirs montés en angles ou en cube qui dans leur mouvement rotatif défient notre perception de l’espace.

C’est à la fois facétieux et paisible. On a qu’une envie : s’asseoir un peu à l’écart et profiter du calme, ce qui est rendu possible par des coussins répartis sur le banc logeant l’une des façades de verre.

 

Cette exposition, je voulais la faire seule et je ne regrette pas ma décision : je voulais en faire l’expérience moi-même, garder mes impressions pour moi et m’en imprégner sans risquer d’être distraite par les celles que des amis auraient voulu partager avec moi (car c’est ce qu’on fait quand on visite une exposition avec des amis, ça coule de source et c’est tout à fait normal).

Un autre aspect de l’exposition que j’aime bien, c’est la capacité de l’artiste à laisser la place au hasard, malgré tout la planification que l’exposition a dû exiger : on ne sait jamais quand un bol chantera, ni vers où la plume va continuer sa balade légère, ni ce que les miroirs tournant vont montrer. On arrête enfin d’essayer de trouver une régularité dans ces mouvements aléatoires pour seulement les suivre, inlassablement. Comme une ode à la vie, avec ses aléas. Il n’y a qu’à se laisser porter …

 

L’artiste est Jeppe Hein et l’exposition, intitulée Un sourire pour toi (A Smile for You), aborde un sujet aussi difficile à traiter que le bonheur. Né en 1974 i Copenhague et actif à Berlin, Jeppe Hein est un artiste qui aime jouer avec notre notion de l’espace. Son art est souvent interactif dans le sens où les visiteurs sont invités à contribuer à ses oeuvres. Selon les critiques d’art, il s’inscrit dans le courant minimaliste ; dans cette exposition spécifique, on sent également une influence claire du bouddhisme zen.

 

 

Dans la salle bleue, il y a une autre salle, dont les murs rose pâle sont couverts du sol au plafond de petites phrases que Jeppe Hein a peint au cours d’une dépression d’épuisement. Dans cette salle, il s’agit d’angoisse, de frustration, de chagrin, de regret, presque de désespoir, mais il y a aussi des pointes d’espoir et de bonheur au fur et à mesure que l’artiste se remettait doucement. On ressent les hauts et les bas, le doute face aux petits signes d’amélioration, l’inquiétude face à l’avenir, la peur de perdre sa famille. Les fautes d’orthographe renforce le sentiment d’épuisement. Mais il y a là aussi des bols chantants, la tringle continue son trajet dans cette salle, les boules y trouvent leur chemin et le tintement des bols soulage un peu la douleur.

          

Malgré cette partie de l’exposition moins ludique, tous les visiteurs avait le sourire aux lèvres. Les sourires lissaient les trais du visage et on avait l’impression de marcher sur un petit nuage. Je sentais que mon corps entier souriait intérieurement. En quittant la galerie, je me sentais satisfaite et légère comme la plume dans sa boule de verre… Et j’ai gardé cette sensation toute la journée. Rien n’aurait pu gâter cet état d’esprit, quoiqu’il arrive. Ou alors ma bonne humeur était à ce point contagieuse que rien de mauvais ne pouvait arriver ?… Vous en avez fait beaucoup, vous, des expositions qui vous rendent si heureux, si comblé et en même temps si paisible ? C’est pourquoi je suis infiniment reconnaissante envers Jeppe Hein !

Un sourire pour toi, un sourire pour tous.

 

Pour en savoir plus sur Jeppe Hein et sur la galerie Bonniers Konsthall.

 

Version suédoise ici

Ett stort rum med blåa inneväggar och stora fönster utåt på sidorna. I rummet står det höga svarta stativ som bär på tibetanska s.k. sjungande skålar. En skena hänger på taket och går genom rummet i mjuka svängar. På skenan hänger svarta gummikulor som följer den och, beroende på hur de svävar i luften, slår de, snuddar vid eller undviker helt skålarna. Hela utställningslokalen ljuder då och då av skålarnas klang, i rytm med besökarna, för att varje löst inträdesbiljett släpper loss en ny kula som börjar då sin bana.

  

De andra verken är till exempel en bänk som sprutar rök när man sätter sig på den, en tält gjord av lampor som tänds när man trampar på en cykel, en fjäder som svävar i en glaskula … Det är många speglar också: stora speglar, varav den ena vibrerande, som skjuter upp rummets gränser, två mindre speglar med neonbudskap, roterande speglar hopsatta i vinkel eller i kuber som utmanar ögats rumsuppfattning.

Det är lekfullt och fridfullt på ett och samma gång. Man vill bara sätta sig i avskildhet och njuta av lugnet, vilket är fullt möjligt eftersom det finns kuddar är och där på bänken som löper längs med det ena glasade fasaden.

 

Detta är en utställning som jag ville se ensam och jag ångrar inte mitt beslut: jag ville uppleva den själv, behålla mina intryck för mig själv och låta mig impregneras av dem utan att riskera att bli störd av vänner som skulle dela med sig av sina egna intryck (för det gör man alltid när man ser en utställning tillsammans med någon annan, det säger ju sig självt och helt normalt).

En annan aspekt som jag uppskattar mycket i utställningen är konstnärens förmåga att lämna utrymme åt slumpen, trots allt planerande som utställningen måste ha krävt: man vet aldrig när en skål kommer att ljuda, åt vilket håll den lilla fjäder ska fortsätta sin svävande resa, vad de roterande speglar kommer att visa. Till slut slutar man försöka hitta ett mönster i dessa rörelser och man bara följer dem, outtröttligt. Som ett ode till livets skiften. Det är bara att ge efter …

 

Konstnären är Jeppe Hein och utställningen, som heter Ett leende till dig, handlar om ett så svårt ämne som lyckan. Född i Köpenhamn år 1974 och aktiv i Berlin, Jeppe Hein är en konstnär som tycker om att leka med vår rumsuppfattning. Hans konst är ofta interaktiv i och med att besökarna inbjuds till att medverka i verken. Enligt konstkritikerna tillhör han minimalismen; i den här specifika utställningen ser man också tydliga intryck från zenbuddismen.

 

 

Innanför det blåa rummet finns det ett annat rum med ljusrosa väggar täckta från golv till tak av mängder av meningar, som Jeppe Hein målade under son utbrändhetsdepression. Här handlar det om ångest, frustration, sorg, saknad, nästintill desperation, men det finns också några glimtar av hopp och lycka allteftersom konstnären började må bättre. Man känner av upp- och nedgångarna, tvivlen inför de små tecken av förbättringar, oron inför framtiden, rädslan att förlora sin familjen. Felstavningar förstärker känslan av uppgivenhet. Men så finns det också några tibetanska skålar därinne, skenan fortsätter i det här rummet, kulorna hittar sin väg dit och klangen från skålarna lindrar smärtan något.

          

Trots att den här delen av utställningen är lite tyngre, hade alla besökare ett leende på läpparna. Leenden slätade ut ansiktsdragen och man gick nästan som på moln. Jag kände att hela min kroppen log inombords. När jag kom ut därifrån kände jag mig så tillfreds med mig själv och lätt som vore jag fjädern i sin glaskula… Och jag bar på den här känslan resten av dagen. Ingenting kunde förstöra den här sinnesstämningen vad som än skulle hända. Eller så var det så att mitt goda humör smet av sig så att ingenting illa kunde hända?… Har ni varit på så många utställningar som gör en så lycklig, så överväldigad, och samtidigt så rofylld? Därför är jag oerhört tacksam gentemot Jeppe Hein!

Ett leende till dig, ett leende till alla.

 

Mer info om Jeppe Hein och om Bonniers Konsthall.

 

 

Fransk version här